Ejercicio de la profesión: El doctor Arrowsmith (1931)

De "Wikisalud - Biblioteca Universitaria Ciencias de la Salud de Sevilla"

"El doctor Arrowsmith"  .1931.
"El doctor Arrowsmith" .
1931.


Tabla de contenidos

[editar] El doctor Arrowsmith

Resumen:

Adaptación cinematográfica de la novela homónima de Sinclair Lewis. Muestra una aproximación de lo que fue el ejercicio de la medicina, la microbiología y la investigación en el primer tercio del siglo XX en los Estados Unidos.Martin Arrowsmith, un médico joven e idealista, con vocación de investigador se ve obligado a abandonar un puesto con el prestigioso investigador Max Gottlieb para casarse con la enfermera Leora Tozer. Regresa a su hogar natal en el medio rural donde se establece en una pequeña consulta y donde continúa con su vocación de investigador desarrollando un suero para detener una mortal plaga del ganado.

[editar] La película

"El doctor Arrowsmith " .1931.
"El doctor Arrowsmith " .
1931.

Género: Drama

Año: 1931

País: Estados Unidos

Director:John Ford

Actores:Ronald Colman, Helen Hayes, Richard Bennett, DeWitt Jennings, Beulah Bondi, Myrna Loy, A.E. Anson

Producción: Samuel Goldwyn Company

Guión: Sidney Howard (Novela:Sinclair Lewis)

Música:Alfred Newman

Fotografía: Ray June (B&W)

Duración: 101 min.


[editar] El director

John Ford.1894, Maine, EEUU-1973,Palm Desert, California, EEUU .
John Ford.
1894, Maine, EEUU-1973,Palm Desert, California, EEUU .


JOHN FORD (1894-1973)


John Ford nació el 1 de febrero de 1895, en Cape Elizabeth, Portland (Maine).Las deficiones calificaciones y la precariedad económica en la que vive la familia O´Fearna, emigrantes de origen irlandés, lleva a Sean a dejar la escuela y viajar a California donde trabaja su hermano menor Francis (1913); al estar empleado Francis como director en la compañía Bison Life Motion Pictures, accede a la práctica cinematográfica, primero ocupándose de tareas fundamentalmente logísticas para posteriormente integrarse como auxiliar de dirección; la Universal acepta la propuesta de Francis para que su hermano, una vez adoptado el nombre de Jack Ford, se haga cargo de la dirección de varios westerns protagonizados por Harry Carey (1917).Oscar al Mejor Director por El delator (1935), por Las uvas de la ira (1940), por ¡Qué verde era mi valle! (1941) y por El hombre tranquilo (1952); Oscar al Mejor Documental Largo por The Battle of Midway (1942), ex aequo con Kokoda Front Line, Moscú contraataca y Prelude to War; Oscar al Mejor Documental Corto por December 7th (1943); Nominado al Oscar al Mejor Director por La diligencia (1939); Nominado al Oscar a la Mejor Película por El hombre tranquilo (1952), junto con Merian C. Cooper; Premio David Wark Griffith.Hermano mayor del director y actor Francis Ford; padre del productor y biógrafo Patrick Ford; fundador de la compañía cinematográfica Argosy Pictures (1947), junto con Merian C. Cooper; nombrado Presidente de la Academia de Directores y Técnicos CinematogUna vez prescrito el periodo en el que el análisis de la obra de John Ford suscitaba el enfrentamiento sistemático entre los que defendían la integridad de sus trabajos —incluso en aquellos detalles o pasajes que permitía una velada conexión, ya sea a nivel estilístico, alegórico o ideológico, con algunos títulos de su prolífica filmografía— y los que aludían a su habitual retórica sobre la glorificación del acto militar para denigrar sus films más populares, actualmente prevalece el crtierio casi unánime de considerarlo uno de los cineastas que mejor supo retratar la complejidad del individuo en distintos espacios y épocas. Una complejidad que lleva implícita una ambigüedad moral, y de la que se extraen interpretaciones de distinto signo en función de quien sea el receptor (espectador) de su obra cinematográfica. Pero estas disquisiciones no tendrían demasiado sentido plantearlas en la etapa muda de Jack (John) Ford, debido a que prácticamente se desconoce en un elevado porcentaje. Tan sólo el testimonio de algunos historiadores como Peter Bogdanovich —reconvertido a director en los años sesenta—, que confiesa haber visto el setenta por ciento de su filmografía, arroja un poco de luz en este sentido. En una de sus habituales maratonianas entrevistas que logró confeccionar Bogdanovich con ilustres nombres del cine clásico —Allan Dwan, Fritz Lang y el propio John Ford— a lo largo de los años sesenta y setenta, el cineasta de origen irlandés ni siquiera lograba fijar con exactitud la fecha y el título de su primera película. Las respuestas de John Ford eran despachadas con ciertas evasivas —producto de su cada vez más menguada memoria pero también por el carácter taciturno que mostraba durante su vejez— aunque convenía con su interlocutor en que sus films rodados en los años diez y veinte no eran meros westerns al servicio de Harry Carey, sino que ya se presumía una atención por perfilar el modo de comportamiento de sus personajes. Aquellas producciones de la recién creada Universal procuraron a Jack Ford desdoblarse en labores de actor y director (The Tornado, The Scrapper). Pero este doble cometido tendría una vida efímera, ya que el estudio fundado por Carl Laemmle le confiaría la realización casi en exclusiva de cintas —de dos a cinco bobinas— interpretadas por Harry Carey bajo el apelativo de Cheyenne Harry. Era una situación de subordinación hacia un personaje arquetípico del western primitivo —aunque sin rayar al nivel de popularidad de Tom Mix, al que dirigiría de forma puntual en Venciendo abismos y La jornada de la muerte— que John Ford trató de revertir a partir de El jinete de hierro --en alusión a la construcción del ferrocarril a finales del siglo XIX-- con un duración de dos horas que excedía al metraje habitual de la época. Ya integrado en la Fox, John Ford denotaría un especial interés por una corriente cinematográfica en boga durante los últimos años del cine sonoro —el expresionismo alemán— que serviría de materia de análisis para el estudio de varios films de su etapa sonora. No en vano, para el rodaje de Cuatro hijos John Ford había utilizado los decorados de El último (1924) de Friedrich Wilhelm Murnau. Un dato que empezaría a cobrar sentido tras el visionado de títulos como La patrulla perdida, El delator o Pasión de los fuertes. Pero las influencias de Ford no provenían tan sólo de un concepto visual y/o estilístico sino que se dirimían también en el campo de la construcción de los guiones. En este sentido, a partir de Tragedias submarinas la aportación de Dudley Nichols en el terreno de la escritura fue fundamental para que John Ford pudiera recrear historias con una mayor solidez narrativa. Ambos asistieron a un periodo de aprendizaje, de exploración de distintas formas a la hora de representar en la gran pantalla una historia que partía de un artículo periodístico o de una narración corta. Tras varios trabajos en común, El delator —traslación al celuloide de una novela de Liam O´Flaherty— se revelaría como el primero logro de consideración del tandem Ford-Nichols, siendo retribuidos con sendos Oscar en el que sería el punto de partida de una serie de títulos inspirados en el paisaje rural irlandés (¡Qué verde era mi valle!, El hombre tranquilo, The Rising of the Moon, The Plough and the Stars y El soñador rebelde, estas dos últimas adaptaciones surgidas de la obra del mismo autor, Sean O´Casey).Aparte de esta especial predilección por retornar intermitentemente a la tierra de sus ancestros y de la que —como en el caso de John Huston— decía sentirse identificado con el carácter sencillo y franco de sus habitantes —en no pocas ocasiones representado en la pantalla por su íntimo amigo John Wayne—, a finales de los años treinta John Ford y Dudley Nichols se disponían a alterar los pilares en los que se había asentado hasta entonces el western. La diligencia abriría nuevas expectativas a un género del que Ford se había familiarizado en su etapa de formación, pero que precisaba de un sentido épico carente hasta la fecha. La fascinación por La diligencia había afectado de forma especial a la nueva generación directores que empezaban a incorporarse al medio cinematográfico. Orson Welles se contaba entre este grupo de neófitos que proclamó haber visionado innumerables veces el film de Ford, aunque, desde una perspectiva visual —encuadres, profundidad de campo, fuentes de iluminación, etc.— la influencia más notoria que acusaría su ópera prima Ciudadano Kane (1941) sería producto del estudio detallado de Hombres intrépidos. No era casual la presencia de Gregg Toland en ambos films, un operador con quien John Ford rodaría ese mismo año Las uvas de la ira. Se trata del título quizá más emblemático de Ford concebido durante el periodo que duró la Segunda Guerra Mundial y del que se deriva un acercamiento a la problemática de una comunidad rural aún bajo los efectos de la Depresión Americana. El análisis de este grupo de agricultores y ganaderos, forzados a abandonar sus tierras, descrita en esta adaptación cinematográfica de la novela de John Steinbeck, se prolongaría a La ruta del tabaco, pero valiéndose parcialmente del relato escrito por Erskine Caldwell. Son historias que ofrecen una imagen contrapuesta del triunfo americano propugnado y alimentado por el New Deal. Las razones que condujeron a John Ford a prestar atención por este tipo de narraciones impregnadas de un sentimiento de desolación, de vacío emocional, estuvieron condicionadas, en parte, por la muerte de Will Rogers. A través de sus caracterizaciones en Dr. Bull, Judge Priest y Steamboat Round the Bed, Will Rogers representaría el personaje fordiano por definición y del que se extrae el principal eje temático de su obra: la confrontación del individualismo con el compromiso social. A modo de tributo a Rogers, después de diecinueve años Ford retomaría el personaje del Juez Priest —adoptando el rostro de Charles Winninger— en The Sun Shines Bright, en un periodo —principio de los años cincuenta— en el que renunciaba a seguir generando pérdidas con su empresa productora Argosy Pictures —en asociación con Merian C. Cooper— y procuraría distanciarse de una cierta imagen deformada sobre su loa al militarismo. La confección de la denominada «trilogía de la Caballería» (Fort Apache, La legión invencible, Río Grande) había sido saludada inicialmente como una exaltación patriótica, pero una lectura más atenta invitaba a pensar que Ford apostaba por la reconciliación como único camino posible para una convivencia pacífica. Con este propósito, John Ford concibió especialmente el personaje del capitán Nathan Brittles (John Wayne) en La legión invencible, cuya misión consistía en lograr un acuerdo de paz entre una tribu de indios y el ejercito sudista. Una voluntad por estrechar lazos con el pueblo indio denostado hasta límites insospechados en la gran pantalla --imagen a la que Ford había contribuido con varios de sus westerns--, que se transferiría en El gran combate. En este film Ford recuperaba un espacio mítico, el Monument Valley (La diligencia, Centauros del desierto, La conquista del Oeste), así como el personaje del sheriff Wyatt Earp (James Stewart) y de su antagonista Doc Holliday (Arthur Kennedy), que ya habían sido recreados por Henry Fonda y Victore Mature, respectivamente, en Pasión de los fuertes. Espacios naturales y personajes ligados a la mitología del medio Oeste, a los que se unían los nombres del general Custer en Fort Apache, y Abraham Lincoln (Henry Fonda) en Young Mr. Lincoln y en un episódico papel en Prisionero del odio, que contribuirían a una fácil asociación de Ford con el western. Pero no tan sólo confluye en su cine una voluntad por perpeturar las claves de este género que Nichols y él mismo habían redefinido a partir de La diligencia, sino que ofrecía sutiles modificaciones en el guión para adecuarse, por ejemplo, a una lectura bíblica en Tres padrinos, tratamiento que ya había sido sugerido en La fuerza de las circunstancias —la primera versión que él mismo dirigió durante la etapa muda— y en La patrulla perdida a través del personaje de Sanders/Cristo (Boris Karloff). Su extraordinaria aportación al western no remitiría hasta El hombre que mató a Liberty Valance. Era un punto y final a una contribución que ya se explicitaba en el carácter crepuscular que adquiere el guión ensamblado por Willis Goldbeck y James Warner Bellah en función de un largo flash-back, así como la reunión de varios de los veteranos colaboradores más afines a la obra de Ford —el director de fotografía William H. Clothier, y los actores John Wayne, James Stewart, Lee Marvin, John Carradine y John Qualen, amén de Woody («el sargento negro») Strode—. Por aquel entonces, John Ford daba signos de una decadencia física —agravada por su dependencia al alcohol— que se traducía en el tono irregular y oscilante que cobraría su última etapa. Durante este periodo se produjeron varias ausencias de los platós motivadas por problemas de salud —Escala en Hawai, El soñador rebelde—, y en ocasiones no dudó en valerse de historias que ya habían sido recreadas por él mismo —Dos cabalgan juntos respecto a Centauros del desierto si bien con algunas modificaciones sustanciales— o partían de material ajeno —Mogambo, un remake de Tierra de pasión (1932) de Victor Fleming, que ya había sido interpretada por Clark Gable—. Era un periodo que invitaba a la reflexión sobre su extensa trayectoría cinematográfica, y en la que se fraguaron los primeros estudios monográficos sobre la obra de John Ford. En 1984 se publicaría el primer libro de referencia sobre el cine de John Ford a cargo del también cineasta Lindsay Anderson. Para conmemorar el veinte aniversario del fallecimiento de la muerte de Ford, Anderson confeccionaría uno de los documentales sobre su obra que tratan de sacar a la luz algunos aspectos que no han merecido demasiado interés incluso para sus fervientes seguidores, como su forma de utilizar la cámara, limitándose, en la mayoría de ocasiones, a encuadrar a los personajes y el paisaje, o rodar lo mínimo requerido para dejar poco margen de maniobra al montador de turno. Asimismo, a través de las declaraciones de su hijo Patrick —biógrafo y coproductor de El sargento negro—, de la actriz fordiana por definición Maureen O´Hara o del montador Robert Parrish —responsable de la edición de La batalla de Midway, uno de los documentales bélicos que rodó durante la Segunda Guerra Mundial— ayudan a desvelar aspectos de la personalidad de John Ford, no así las declaraciones del propio interesado que eludía pronunciarse sobre la práctica totalidad de los temas planteados sobre su cine. Como dijo el productor-director Stanley Kramer, «los films hablan sobre ellos mismos. Esto es lo que nosotros hacemos al discutir sobre John Ford. No hay nada que se pueda decir —sus films hablan por sí mismos».Murió el 31 de agosto de 1973, en Palm Desert, California (Estados Unidos), ví­ctima de un ataque cardí­aco.

FUENTE: CINE365

Filmografía:

  • Chesty: A Tribute to a Legend 1970
  • Siete mujeres 1966
  • El soñador rebelde 1965
  • El gran combate 1964
  • La taberna del irlandés 1963
  • El hombre que mató a Liberty Valance 1962
  • La conquista del Oeste 1962
  • Dos cabalgan juntos 1961
  • El sargento negro 1960
  • Misión de audaces 1959
  • Un crimen por hora 1958
  • El último hurra 1958
  • Escrito bajo el Sol 1957
  • Centauros del desierto 1956
  • Escala en Hawai 1955
  • Cuna de héroes 1955
  • Mogambo 1953
  • El hombre tranquilo 1952
  • Él 1952
  • El Precio de la Gloria 1952
  • Caravana de paz 1950
  • La legión invencible 1949
  • Fort Apache 1948.
  • Tres padrinos 1948
  • El fugitivo 1947
  • Pasión de los fuertes 1946
  • No eran imprescindibles 1945
  • Qué verde era mi valle 1941
  • La ruta del tabaco 1941
  • Hombres intrépidos 1940
  • Las uvas de la ira 1940
  • La diligencia 1939
  • El joven Lincoln 1939
  • Corazones indomables 1939
  • Submarine Patrol 1938
  • Cuatro hombres y una plegaria 1938
  • Huracán sobre la isla 1937
  • La mascota del regimiento 1937
  • El arado y las estrellas 1936
  • Prisionero del odio 1936
  • María Estuardo 1936
  • Steamboat Round the Bend 1935
  • El delator 1935
  • Pasaporte a la fama 1935
  • Paz en la tierra 1934
  • El juez Priest 1934
  • La patrulla perdida 1934
  • Doctor Bull 1933
  • Peregrinos 1933
  • Carne 1932
  • Hombres sin miedo 1932
  • El doctor Arrowsmith 1931
  • La huerfanita 1931
  • Mar de fondo1931
  • Río arriba 1930
  • El intrépido 1930
  • Tragedia submarina 1930
  • El triunfo de la audacia 1929
  • Shari, la hechicera 1929
  • Viva la ambición 1929
  • Policías sin esposas 1928
  • El barbero de Napoleón 1928
  • Legado trágico 1928
  • Cuatro hijos 1928
  • ¡Madre mía!1928
  • Ser o no ser 1927
  • El águila azul 1926
  • Tres hombres malos 1926
  • La hoja de trébol 1926
  • Corazón intrépido 1925
  • Con gracias a porfía 1925
  • Sangre de pista 1925
  • Don Pancho 1925
  • Corazones de roble 1924
  • El caballo de hierro 1924
  • Hoodman Blind 1923
  • La jornada de la muerte 1923
  • Sota, caballo y rey 1923
  • Venciendo abismos 1923
  • The Face on the Bar-Room Floor 1923
  • El herrero de la aldea 1922
  • Silver Wings 1922
  • La señorita sonrisas 1922
  • Juanita 1921
  • Sure Fire 1921
  • Action 1921
  • Camino de desesperación 1921
  • The Wallop 1921
  • The Freeze-Out 1921
  • The Big Punch 1921
  • Buenos amigos 1920
  • Ligaduras de oro 1920
  • La joven del cuarto 29 1920
  • The Prince of Avenue A 1920
  • Hombres marcados 1919
  • A Gun Fightin' Gentleman 1919
  • Rider of the Law 1919
  • Ace of the Saddle 1919
  • The Outcasts of Poker Flat 1919
  • The Last Outlaw 1919
  • El jinete vengador 1919
  • The Gun Packer 1919
  • By Indian Post 1919
  • Gun Law 1919
  • Bare Fists 1919
  • Rustlers 1919
  • A Fight for Love 1919
  • The Fighting Brothers 1919
  • Roped 1919
  • Three Mounted Men 1918
  • The Craving 1918
  • A Woman's Fool 1918
  • El barranco del diablo 1918
  • La gota de sangre 1918
  • Thieves' Gold 1918
  • Wild Women 1918
  • The Phantom Riders 1918
  • Bucking Broadway 1917
  • A Marked Man 1917
  • The Secret Man 1917
  • Straight Shooting 1917
  • Cheyenne's Pal 1917
  • The Soul Herder 1917
  • The Scrapper 1917
  • The Trail of Hate 1917
  • The Fighting Gringo 1917
  • The Tornado 1917


[editar] Los actores

"El doctor Arrowsmith" .1931.
"El doctor Arrowsmith" .
1931.



[editar] La banda sonora

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Alfred Newman.
New HAven, Connecticut,1901-Los Ángeles,1970.

Alfred Newman ha sido uno de los más importantes compositores de música para el cine, fue nominado en 45 ocasiones al Óscar y consiguió 9 estatuillas. A él se debe la sintonía de la 20th Century Fox. Nació en 1901 en New Haven (Conneticut) en el seno de una familia humilde de inmigrantes judíos rusos. Será su madre, que dirigía los cantos en una sinagoga, la que anime a su hijo mayor a estudiar piano desde la temprana edad de cinco años.A pesar de la pobreza de su familia, consiguió completar sus estudios musicales. Uno de sus mentores fue el músico Arnold Schönberg. Niño prodigio, con 8 años Alfred demostró un talento excepcional para la música, y sus maestros le concedieron una beca. En 1916 tocó por primera vez en público con muy buenas críticas. Cuando sus padres se separaron Alfred tenía dieciocho años y se convirtió en el sostén de la familia. Tocaba el piano en el teatro Strand antes de las películas, o en el foso de la orquesta para acompañarlas. Con 19 años Alfred Newman fue el director más joven de Broadway, con 20 años era ya director musical de la revista de George White, «Scandals of 1920». Durante los años veinte dirigió e hizo arreglos musicales escritos por los Gershwin, Harry Ruby y Jerome Kern. En 1930 se trasladó a Hollywood con la idea de convertirse en un compositor y director de musicales. Darryl Zanuck ofreció a Newman el puesto de director musical de la Twentieh Century-Fox, donde se hacía una película nueva todas las semanas, por lo que el compositor aceptó encantado, cansado de los pocos trabajos que realizaba para la United Artists, cuyo ritmo de producción era muy inferior al de la Fox. En los años 40 comenzaría a consolidar su prestigio colaborando en películas de muy diferentes géneros, y trabajando para grandes directores como John Ford. A lo largo de toda su carrera compuso la música de más de 200 películas. Es el padre de una saga de compositores (David Newman y Thomas Newman). Falleció en 1970 en Hollywood (Los Ángeles).

Selección de su filmografía:

  • La ciudad sin ley (1935).
  • El prisionero de Zenda (1937).
  • Stella Dallas (1937).
  • Cumbres borrascosas (1939).
  • Esmeralda la zíngara (1939).
  • Gunga Din (1939).
  • Las uvas de la ira (1940).
  • Sangre y arena (1941).
  • La canción de Bernadette (1943; ganadora del Óscar).
  • El capitán de Castilla (1947).
  • Eva al desnudo (1950).
  • La túnica sagrada (1953).
  • Sinuhé el Egipcio (1954)
  • La colina del adiós (1955; ganadora del Óscar).
  • Anastasia (1956).
  • El rey y yo (1956; ganadora del Óscar).
  • El diario de Ana Frank (1958).
  • La conquista del Oeste (1962).
  • La historia más grande jamás contada (1965).
  • Nevada Smith(1966).
  • Camelot (1967; Óscar a la mejor adaptación musical).
  • Los malvados de Firecreek (1968).
  • Aeropuerto (1970; nominado al Óscar).


Escucha un fragmento de la banda sonora


[editar] Críticas

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Imagen:arrowsmithvideo6.jpgEl doctor Arrowsmith 7 Imagen:arrowsmithvideo7.jpgEl doctor Arrowsmith 8 Imagen:arrowsmithvideo8.jpgEl doctor Arrowsmith 9

[editar] El doctor Arrowsmith.Trabajo de los alumnos

En 1931, John Ford ya era un director de prestigio pero, al estar limitado por el productor y al no concluir la película, ésta se aparta bastante del cine típico de Ford. No obstante, la película incluye claros elementos de Ford como los claroscuros y las escenas de varios planos que se pueden observar cuando el protagonista monta su consulta, en escenas de vudú o cuando su mujer es abandonada por los sirvientes. El ritmo narrativo es muy rápido y atropellado. En pocas secuencias se consumen años de la vida del protagonista. Hay frecuentes y bruscos cambios de escena porque se pretende contar muchas cosas en poco tiempo. Se puede apreciar la influencia del expresionismo alemán en las escenas de incendios, entierros, el humo del cigarrillo... que crea un ambiente tétrico y sombrío similar al de una película de terror.

A continuación, se nombran los posibles temas de debate, además de algunos datos sobre aspectos médicos que aparecen en la película:

ÉTICA: Uno de los temas principales de la película, y más controvertidos hoy en día, es la diferencia entre la ética de la medicina cínica y la ética de la investigación, lo que va a condicionar el comportamiento del protagonista a lo largo de la historia.

  • ¿En que se diferencian la ética la de la medicina clínica y la de la investigación?, ¿son compatibles?, ¿es una superior a la otra?En medicina clínica hablamos de una ética inmediata mientras que en la medicina de investigación estaríamos hablando de una ética a largo plazo. En la película se muestra la dualidad del protagonista como hombre médico y hombre investigador, parecen personas diferentes.El investigador se deshumaniza perdiendo de vista el fin clínico.Opta por la investigación como algo superior al ejercicio de la medicina. Es fundamental situar en el tiempo la película para no simplificar y ponernos en la situación de entonces para darle su valor real.No se puede desvirtuar ni olvidar el objetivo final de ayudar al enfermo.
  • ¿Es ético realizar un ensayo clínico en seres humanos? Nuestro especialista nos comenta la situación de Estados Unidos años atrás cuando se realizaban ensayos clínicos en presos que se prestaban voluntarios para quizás así redimir sus penas.Es evidente que el ensayo clínico es fundamental para conocer y avanzar en la medicina. Grandes fundaciones han apoyado mucho de los estudios sobre patogenia.

Y en enfermedades agudas sin tratamiento conocido, ¿sería ético administrar un posible tratamiento, que creemos efectivo, pero que no ha pasado todas las fases de los ensayos clínicos?

  • Por último, hay muchas situaciones que hacen que la labor del médico esté condicionada por presiones externas como los medios de comunicación, las propias empresas médicas y farmacéuticas que proporcionan el capital para la investigación…Actualmente estamos en una situación en la que los investigadores resuelven problemas planteados por empresas, universidades...son objetivos determinados. Encontrar una patente proporciona un nivel de vida muy bueno. Se trabaja hoy en día en el desarrollo de aerosoles, compatibilidad de biomateriales, enfermedades (actualmente están en desarrollo 30 nuevos antivíricos de hepatitis C). Hay patentes muy diversas investigadas por diferentes profesionales, existe una libertad de investigación dirigida.

EL MEDICO RURAL:

  • ¿El estar trabajando en un pueblo provoca un estancamiento en su desarrollo profesional? El médico rural cuenta con unos recursos muy limitados lo que le hace defenderse y reinventarse haciendo uso de los elementos que tiene en su entorno. La figura del médico rural está algo desvirtuada entre lo que era en el pasado y lo que es en el presente.Socialmente parece ser una especialidad no tan bien vista como las demás. Prueba de ellos serían la situación entre los puestos más bajos del examen MIR.En la película, el protagonista sale de la facultad a la calle sin el respaldo de una institución, a lo desconocido(simbolizado en la escena de la abuela, al inicio de la película). Incluso es su mujer quien le da el decálogo de lo que tiene que ser un buen médico rural.
  • ¿El médico rural cuenta con condiciones ideales de trabajo? En la película se nos muestran unas condiciones no ideales, saliendo al paso como puede con los recursos de que dispone. Si bien es cierto que existe una diferencia en la relación con el paciente, es un médico humano. John Ford no se cataloga como el director de las películas del oeste sino como el de los valores humanos. Reseñable el trato que da a las relaciones entre los indios y al papel de la mujer en la tribu en sus dos éxitos "Centauros del desierto" y "Los dos cabalgan juntos".

En el pueblo se requiere una ética que se fundamentaría en una exigencia de inmediatez, frente a la investigación en el que predominan las consecuencias futuras.

  • ¿La dedicación clínica del médico del pueblo le impide llevar una tarea investigadora?Como ya se ha comentado, lo ideal es simultanear la faceta clínica y la investigadora, algo que se hace difícil en la práctica. Se observa también la diferente personalidad del propio protagonista en según que faceta médica se encuentra. Se muestra al investigador como persona muy sacrificada, deshumanizada, introvertida, vanidosa incluso con cierta frustración mientras que el médico rural tiene un trato personal con su paciente, más humano,al servicio de la comunidad.Frente al drama, el médico se sostiene;el investigador, se abandona. Curiosa la recomendación como núcleo de formación del investigador:los tres libros fundamentales en su haber (la anatomía de Grey, la Biblia y Shakespeare).
  • El doctor acostumbrado al entorno sanitario de la ciudad, se ve incapaz de tomar una decisión adecuada sobre la enfermedad de la niña que tiene difteria, diciendo incluso si estuviera en un hospital la operaría.La distancia es un determinante infranqueable, sobre todo a la hora de hacer derivaciones con éxito.
  • Ford muestra cierta antipatía por el personaje.

DOCENCIA

  • ¿Es la clase magistral el mejor modelo de enseñanza? En la película cobra mucho protagonismo la figura del profesor:su interés, generosidad, reconocimiento al talento del que es su alumno...Sin embargo, actualmente el modelo tratado no es así. No existe esa cercanía. Resulta incluso utópico llegar a tener una relación con un profesor como la que existía en la escuela, donde el profesor conoce al alumno. Quizás sean problemas más globales los que no faciliten al profesor y al alumno entablar una relación más cercana. Con el Plan Bolonia se pretendía el cambio pero no se ha visto en la práctica. La realidad es que el número de alumnos hace imposible llevarlo a la práctica. Si bien es cierto que el alumnado se ha manifestado en contra del Plan, no ha causado efecto alguno, mezcla tal vez de otros intereses que evidencian que hoy en día,la facultad parece no tener voz. Debería haber un grado de sinceridad para entender dicho modelo y lograr una reducción de contenidos, prevista por el mismo, sin exigir paralelamente la asistencia a clases, seminarios y demás que ocupan la mayor parte del tiempo. Lo verdaderamente importante es el aprendizaje, no la enseñanza.
  • ¿Sería necesaria mas motivación por parte de los profesores? De ser así, ¿habría respuesta por parte del alumnado?¿Por qué hay clases en las que la asistencia es tan baja? ¿Es por el profesor o por los alumnos?Hay profesores diferentes al igual que también hay alumnos muy diferentes. En el sistema anglosajón, por ejemplo, son los profesores los que eligen al alumnado que consideran va a poder desempeñar la actividad universitaria. La idea es memorizar poco pero pensar mucho.Al alumnado no le sirve tomar apuntes sino sacar jugo a la clase. Se observa pues un problema estructural de la sociedad. No sólo es cuestión de número sino de implicación por parte de las diferentes universidades y de los profesionales que en ella trabajan.Desde la facultad de medicina no se ofertan ni despiertan oportunidades ni medios. Estamos en la situación e incluso obligación de reivindicarlas.

Todos tenemos un grado de responsabilidad. Hay que revisar el grado de compromiso y de motivación. Contribuimos todos si esto no se denuncia.

  • ¿Es correcto el uso que se le da a la presentaciones de Power Point? Los avances técnicos deberían servir para ayudar, completar y facilitar la labor del profesional sin embargo, en la práctica y concretamente en el caso de este tipo de presentaciones, son las verdaderas protagonistas de la clase, sustituyen al profesor ya que contienen la información completa de lo que se va a tratar en clase. Esto crea desinterés y la no asistencia del alumnado que considera tedioso e innecesario releer una información con la que ya cuentan.

ENFERMEDADES INFECCIOSAS PRESENTES EN LA PELÍCULA:

  • presencia de varias enfermedades infecciosas (tos ferina, carbunco y peste bubónica) y error de diagnóstico fatal de una de ellas
  • errores de manipulación de material de investigación por parte del protagonista. Se hacen evidentes la falta de cuidado e higiene durante las escenas de laboratorio. En una peli de los años 30 es espectacular, a nivel cinematográfico, el uso que hace de luces y sombras. No olvidemos además al Dr Arrowsmith fumando en el laboratorio y el tubo de ensayo mal colocado, cuyo mortal contenido cae sobre el cigarro apoyado, posteriormente mortal para su esposa.
  • error conceptual en la película con respecto a uno de los hallazgos del protagonista.Por errores traduccionales no queda claro si se hace uso de vacunas o antisueros. Además el ensayo se realiza al 50% cuando,tras la muerte de su mujer, el protagonista en estado de ebriedad decide finalizar con el mismo.Aparición de una enfermedad infecciosa,también en animales, que aún así sirve al protagonista en su afán investigador. Curioso el racismo en el que cae el protagonista con respecto al trato que ofrece a los indígenas.

VIRUS BACTERIOFAGOS:

  • Solución al problema de los matraces del Dr. Arrowsmith.
  • Descubiertos por Felix D´Herelle en 1917 en el Instituto Pasteur como se menciona en la película.Conocidos sus numerosos ensayos en diferentes países como Jamaica, Indochina...En la película parece confundirse el uso de bacteriófago como terapéutica(usado en Rusia tras la caída del Telón de Acero).
  • Ha dado origen a la denominada fagoterapia. Utilizada por primera vez para tratatar a un niño de 12 años enfermo de Disentería.
  • No serán visualizados hasta 1939 cuando Helmut Ruska los observa por primera vez al microscopio electrónico.
  • Se trata de una buena alternativa los problemas de resistencia antibiótica.
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