Vieja y nueva psiquiatría: De repente, el último verano (1959)
De "Wikisalud - Biblioteca Universitaria Ciencias de la Salud de Sevilla"
1959.
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[editar] De repente, el último verano
Resumen:
De repente, el último verano transcurre en la Nueva Orleans de 1937 donde una rica viuda, la señora Venable (Katharine Hepburn), ofrece al doctor Cukrowicz (Montgomery Cliff ),un neurocirujano cuya especialidad es la lobotomía, los fondos para crear un hospital a condición de que practique una lobotomía a su sobrina Catherine (Elizabeth Taylor) a la que tiene encerrada en un psiquiátrico. La señora Venable se encuentra perturbada por la muerte en Europa de su hijo Sebastian , con quien solía viajar los veranos, salvo el último, en el que su acompañante fue su prima Catherine que presenció su muerte.El doctor Cukrowicz, que se enamora de Catherine desde el primer instante, descubre que el primo de Catherine e hijo de Violet, Sebastian, murió devorado por unos jóvenes caníbales y que por eso ella tiene esas alucinaciones. Por este motivo no cree necesaria la lobotomía e intenta ayudar a Catherine para que expulse sus miedos en contra de su tía Violet Venable, que defiende que su hijo murió de un ataque al corazón y apuesta por la lobotomía para ocultar la verdad.
[editar] La película
1959.
Género: Drama
Año: 1959
País: reino Unido
Director:Joseph L. Mankiewicz
Actores: Elizabeth Taylor, Montgomery Clift, Katharine Hepburn, Albert Dekker, Mercedes McCambridge, Gary Raymond, Joan Young
Producción: Columbia Pictures presents a Sam Spiegel production
Guión: Tennessee Williams, Gore Vidal (Teatro:Tennessee Williams)
Música: Buxton Orr & Malcom Arnold
Fotografía: Jack Hildyard (B&W)
Duración: 114 min.
[editar] El director
1909, Wilkes-Barre, Pennsylvania-1993, Bedford, New York .
JOSEPH L. MANKIEWICZ (1909-1993)
Joseph Leo Mankiewicz nació el 11 de febrero de 1909 en Wilkes-Barres, Pennsylvania (Estados Unidos), en el seno de una familia de ascendencia polaca. Fenomenal estudiante y ávido lector, Joseph abandonó la Universidad en los años 20 para viajar hasta Berlín para trabajar como corresponsal del “Chicago Tribune”. En Alemania entraría en la industria cinematográfica encargándose de traducir los subtítulos de los filmes de la UFA al inglés. Esta experiencia le llevaría a Hollywood para redactar subtítulos para la Paramount. A finales de década Mankiewicz, al igual que su hermano mayor Herman (quien co-escribió junto a Orson Welles “Ciudadano Kane”), ya trabajaba como guionista y dialoguista.
Algunas de las primeras películas escritas por Joseph L. Mankiewicz, que mostraban su agudeza en la escritura para desarrollar una gran diversidad de géneros, fueron “El hombre que yo amo” (1929), film dirigido por William Wellman y una de las muchas comedias que escribió para el actor Jack Oakie, “La chica de la noche del sábado” (1929), título protagonizado por Clara Bow y Jean Arthur, “Skippy” (1931), película por la que fue nominado al Oscar, “Alicia en el país de las maravillas” (1933), adaptación del clásico de Lewis Carroll, o “El pan nuestro de cada día” (1934), drama dirigido por King Vidor.
En 1934 Mankiewicz contrajo matrimonio con la actriz Elizabeth Young, vista al lado de Greta Garbo en la película “La reina Cristina de Suecia”. Divorciado en 1937, dos años después se casó con la intérprete austríaca Rose Stradner. Al margen de sus relaciones matrimoniales, Mankiewicz mantendria relaciones amorosas con otras mujeres, entre ellas la actriz Linda Darnell.
A mediados de los años 30 fue contratado por la Metro Goldwyn Mayer para producir películas, como “Furia” (1936) de Fritz Lang, “Tres camaradas” (1938) de Frank Borzage, “Historias de Philadelphia” (1940), film dirigido por George Cukor que le valió una nominación a Mankiewicz como productor, o “Las llaves del reino” (1944), su primer film producido en la 20Th Century Fox, estudio en el cual daría inicio a su carrera como director con “El castillo de Dragonwyck” (1946), ensoñador film gótico protagonizado por Gene Tierney, Walter Huston y Vincent Price que adaptaba una novela de Anya Seton, y que Mankiewicz dirigió tras sentirse enfermo Erns Lubitsch, el encargado en principio de realizar la película. A partir de aquí Joseph L. Mankiewicz ofrecería al aficionado al cine una serie de fenomenales títulos, significados por la excelente dirección de intérpretes, la elegancia en la puesta en escena, el empleo habitual del flashback y especialmente, la brillantez en los textos, con especial incidencia en el ingenio en la creación de diálogos.
El mismo año de “El castillo de Dragonwyck”, Mankiewicz realizó la cinta de cine negro “Solo en la noche” (1946), un título protagonizado por John Hodiak y Nancy Guild. En esta década dirigiría películas de gran valía, como “El mundo de George Apley” (1947), comedia familiar con Ronald Colman como estrella protagonista, la adorable “El fantasma y la señora Muir” (1947), fantasía romántica con Gene Tierney y Rex Harrison, basada en el libro de R. A. Dick, “Escape” (1948), thriller con Harrison de nuevo en el papel principal masculino, “Odio entre hermanos” (1949), estupenda adaptación de la novela de Jerome Weidman interpretada por Edward G. Robinson y “Carta a tres esposas” (1949), comedia dramática que le valió dos premios Oscars, uno a la mejor dirección y otro al mejor guión adaptado. La novela adaptada fue escrita por John Klempner.
En los años 50 prosiguió su excepcional trayectoria como director, consiguiendo con “Eva al desnudo” (1950) otras dos estatuillas al mejor director y al mejor guión, ahora en la categoría de mejor guión original. El film, producido por Darryl F. Zanuck y con una inolvidable interpretación de Bette Davis, también ganaría, entre otros, el premio a la mejor película del año y al mejor actor secundario en la piel de George Sanders.
Otras películas de Mankiewicz en este período fueron “Un rayo de luz” (1950), drama social con Richard Widmark, Linda Darnell y Sidney Poitier, “Murmullos en la ciudad” (1951), drama con Cary Grant y Jeanne Crain, “5 Fingers” (1952), film de espionaje con James Mason por el cual fue nominado al mejor guión , “Julio César” (1953), adaptación de la obra de William Shakespeare con el protagonismo de Marlon Brando y de nuevo James Mason, “La condesa descalza” (1954), melodrama con Humphrey Bogart y Ava Gardner con una nueva nominación al mejor guión, “Ellos y ellas” (1955), musical protagonizado por Frank Sinatra y Marlon Brando, “El americano tranquilo” (1958), versión cinematográfica de la novela de Graham Greene, y “De repente, el último verano” (1959), adaptación del clásico de Tennessee Williams protagonizada por Katharine Hepburn, Montgomery Clift y Elizabeth Taylor.
Después de este film, Mankiewicz, que sustituyó a Rouben Mamoulian tras ser despedido pocos días después de comenzar a filmar, se enroló en el megaproyecto “Cleopatra” (1963), película con múltiples problemas de producción que tardó varios años en ser rodada, y que finalmente resultó ser un gran fracaso económico. Estaba protagonizada en sus principales papeles por Elizabeth Taylor como Cleopatra, Richard Burton como Marco Antonio y Rex Harrison, encargado de dar vida a Julio César. En 1958 había muerto su esposa Rose. Tres años después, en 1962, Mankiewicz se casaría de nuevo, ahora con Rosemary Matthews. En los años 60 solamente, y al margen de “Cleopatra”, dirigiría un título cinematográfico más, “Mujeres en Venecia” (1967), comedia basada en un libro de Thomas Sterling. Para el papel protagonista volvió a contar con la colaboración de Rex Harrison. A su lado, gente como Susan Hayward, Capucine o Cliff Robertson.
En 1970 hizo equipo con Sidney Lumet para dirigir el documental “King: A filmed recorded…de Montgomery to Memphis”, película centrada en la figura de Martin Luther King. El mismo año filmó con Kirk Douglas y Henry Fonda el western en tono de comedia “El final de un canalla” (1970).
Su última película sería “La huella” (1972), fenomenal thriller psicológico protagonizado por Laurence Olivier y Michael Caine. Este título le supondría una nominación al Oscar como mejor director.
El 5 de febrero de 1993 Joseph L. Mankiewicz, cuyos hijos Tom, Christopher y Ben también se dedican al mundo del cine, fallecería de un ataque al corazón en Bedford, Nueva York. Tenía 83 años.
FUENTE: alohacriticón: cine, música, literatura
Filmografía:
- La huella [1972]...
- King: A Filmed Record... Montgomery to Memphis [1970]
- El día de los tramposos [1970]
- Mujeres en Venecia [1967]
- The Honey Pot [1967]
- Cleopatra [1963]
- De repente, el último verano [1959]
- El americano tranquilo [1958]
- Ellos y ellas [1955]
- La condesa descalza [1954]
- Julio César [1953]
- Operación Cicerón [1952]
- Murmullos en la ciudad [1951]
- Un rayo de luz [1950]
- Eva al desnudo [1950]
- Odio entre hermanos [1949]
- Carta a tres esposas [1949]
- El mundo de George Apley [1947]
- El fantasma y la Sra. Muir [1947]
- Solo en la noche [1946]
- El castillo de Dragonwyck [1946]
[editar] Los actores
1959.
- Elizabeth Taylor ... Catherine Holly
- Katharine Hepburn ... Mrs. Violet Venable
- Montgomery Clift ... Dr. Cukrowicz
- Albert Dekker ... Dr. Lawrence J. Hockstader
- Mercedes McCambridge ... Mrs. Grace Holly
- Gary Raymond ... George Holly
[editar] La banda sonora
Northampton, 1921-Norwich, 2006.
Glasgow, 1924-Hereford, 1997.
Malcolm Arnold nació en Northampton el 21 de octubre de 1921, en una familia acomodada: su padre dirigía una próspera factoría de calzado. Era el menor de cinco hermanos, y mantuvo una relación especialmente estrecha con su hermana mayor, Ruth, mujer de convicciones feministas que le transmitió su pasión por la música. Tras comenzar a estudiar música en su localidad natal, gracias a la tradición musical familiar (su abuelo era maestro de capilla de la iglesia de Northampton), e impulsado por el impacto que le produjo escuchar en directo a Louis Armstrong en Bournemouth con doce años, estudió trompeta con Ernest Hall, uno de los trompetistas más importantes de la época y miembro de la Orquesta Sinfónica de la BBC, y composición con Gordon Jacob en el Royal College of Music de Londres. Su estancia en dicha institución fue un tanto pasajera.
En 1941, a la temprana edad de veinte años, contrajo matrimonio con Sheila Nicholson. En julio de ese mismo año ingresó en la Orquesta Filarmónica de Londres como segundo trompeta, pasando en 1943 al puesto de trompeta principal. Durante la Segunda Guerra Mundial, en consonancia con otros compositores pacifistas de la época, se declaró objetor de conciencia y no se alistó en el ejército. La muerte de un hermano en batalla y las presiones externas le empujaron a alistarse como voluntario en 1944. La perspectiva de la guerra le produjo tal rechazo que, al poco tiempo, se pegó un tiro en un pie, provocándose una grave lesión gracias a la cual pudo dejar el frente. A su vuelta de la guerra, entre 1945 y 1946, permaneció en la Orquesta Sinfónica de la BBC como trompeta segundo junto a Ernest Hall, volviendo después a la Orquesta Filarmónica de Londres, donde permanecería hasta 1948.
Su estancia en la orquesta le proporcionó un excelente conocimiento de sus características y de las tesituras y personalidades de los diferentes instrumentos. Durante esta etapa participó en el estreno de obras de George Gershwin o Béla Bartók, además de en la interpretación y grabación de todas las sinfonías de Gustav Mahler, bajo la batuta de los directores más importantes de la época, como Anatole Fistoulari o Leonard Bernstein en el caso de la Quinta Sinfonía de Chaikovski. Todo ello desarrolló sus dotes de orquestador, faceta en la que destacaría posteriormente.
El prestigio de Malcolm Arnold como trompetista era notorio, convirtiéndose rápidamente en uno de los más importantes instrumentistas de viento ingleses de la época. Sin embargo, sus inquietudes se encontraban, principalmente, en el campo de la composición. Su carta de presentación como compositor fue su obertura Beckus the Dandipratt en 1943, de la que existe una grabación de la Orquesta Filarmónica de Londres en la que interviene el propio compositor como trompetista. A esta obra se sumaron algunas piezas de cámara que, durante esta etapa, compuso para diferentes amigos de la orquesta. El abandono de la orquesta en 1948 supuso también el abandono de su actividad como intérprete y su dedicación exclusiva a la composición. [editar] Años de crisis
Fruto de su matrimonio fueron dos hijos, Katherine y Robert. Su carácter autodestructivo (con 20 años le fue diagnosticada una esquizofrenia) y su propensión al alcoholismo, unidos al efecto devastador que en él provocaban las críticas cada vez más adversas a su obra, terminaron por destrozar el matrimonio, divorciándose en 1965 para volver a casarse apresuradamente el mismo año tras dejar embarazada a la que sería su segunda esposa.
Tras su época dorada, que comprende los años 1950 y los 1960, la crítica comenzó a despreciar la música de Malcolm Arnold, situada, a su juicio, fuera del momento histórico musical: mientras que la atonalidad, el serialismo y otras corrientes vanguardistas se abrían paso en el mundo de la música culta, Arnold seguía recurriendo a un estilo melódico, tonal, de aire neorromántico, de éxito popular y como continuador de Richard Strauss, Gustav Holst, Dimitri Shostakovich e incluso Aaron Copland, pero que se situaba al margen del camino irreversible que la música clásica había tomado hacia nuevos sonidos. La crítica también se mostró reticente ante el sentido del humor que sus obras dejaban entrever, lo que le hizo ser considerado como un compositor poco serio. El complejo carácter de Arnold, combinado con este rechazo y los ataques mentales que sufría su tercer hijo, que padecía autismo, le llevaron a un nuevo divorcio en 1975 y a un intento de suicidio.
En 1979, tras un nuevo ataque mental, ingresó en el hospital psiquiátrico de St. Andrews, donde permaneció hasta 1984. Durante estos siete años de crisis mental no compuso ninguna obra, lo que contrasta con el frenético ritmo de producción que había llevado anteriormente. Durante esta etapa de crisis mental, en la que Arnold volvería a intentar suicidarse, rompió relaciones con sus hijos, al sentirse incomprendido por ellos. Al ser dado de alta en 1984, y en la más absoluta carencia de dinero, conoció a Anthony Day, asistente social, quien lo alojó en su domicilio y rectificó su situación económica precaria. De esta forma, Day se convirtió en su cuidador y manager comercial.
A partir de la obtención del título de Sir, que la reina Isabel II de Inglaterra le otorgó en 1993, fueron múltiples y variados los homenajes que recibió. En junio de 2006, la Universidad de Northampton le concedió un doctorado honorario en honor a su carrera musical. El mundo de la música inglesa trató así de compensar los años en los que ignoró su producción musical. A pesar de esta rectificación, la crítica especializada aún hoy aparece dividida entre quienes lo consideran un auténtico genio y quienes no ven en él más que un compositor con una extraordinaria facilidad.
Malcolm Arnold dejó la composición en 1990, entre otros motivos debido a su delicado estado de salud. Desde 1984 vivió en Attleborough (Norfolk, Inglaterra) con Anthony Day. Durante esta etapa, declaró no tener ganas de crear más música. Sin embargo, se mostró muy satisfecho de su extensa obra.[2]
El deterioro de su estado de salud fue constante desde 2002, año en el que acudió por última vez a la interpretación de su obra en directo. Murió el 23 de septiembre de 2006 en un hospital de Norwich (Norfolk), a la edad de 84 años, debido a una infección pulmonar, semanas antes de su 85 cumpleaños y de la celebración del Malcolm Arnold Festival, que se convirtió en un homenaje a su vida y su música.
Buxton Orr nació en Glasgow en 1924 y murió en Hereford en 1997.Pertenece a una familia de artistas. Su madre, Marie Daeblitz, fue durante años uno de los pilares de La compañía de los ciudadanos de Glasgow teatro, y su abuelo materno, Ricardo Daeblitz, un inmigrante de Alemania, llevó a los segundos violines de La Orquesta de Escocia con directores de la talla de de Nikisch, Richter, Richard Strauss de los que contaba numerosas historias a su nieto. Comenzó a estudiar la carrera de Medicina pero la abandonó por la música. Entre 1952 y 1955 Orr estudió en Londres composición con Benjamin Frankel, con quien más tarde trabajó en una serie de bandas sonoras para películas y televisión y asistió a las clases de realización de Aylmer Buesst.
Siguiendo los pasos de Frankel, trabajó en una serie de Boris Karloff y otras películas de terror y, a continuación, en la película De repente el úlitmo verano (1959). En 1961 estrena una ópera: La apuesta. En 1965 comienza a dedicarse a la docencia en La escuela de música y drama de Guildhall en la que permaneció hasta 1990 en que decide dedicarse a tiempo completo a la composición. En 1975 fundó the Guildhall New Music Ensemble. Entre 1970 y 1980 llevó la dirección musical de la London Jazz Composers Orchestra con la que realizó una gira por Inglaterra y Europa.Compuso también varias piezas musicales para el teatro: The unicorn (1981), The last circus (1984) y Ring in the new (1986).
Compuso seis ciclos de canciones para voz y piano o conjunto instrumental: El caballero y la dama (1978) para voz solista, y el eco de Green (1961), de William Blake, para voces infantiles y piano u orquesta. También compuso obras para un público más "serio" como The 40-minute Sinfonia Ricercante en 1987. Una constante en su carrera es la producción de obras para banda de viento y metal: dos conciertos para trombón en 1971, un concierto para trompeta en 1976. Trabajó hasta su muerte en su ópera El alquimista. También compuso música de cámara: cuartetos de cuerda, tríos para piano...su música incluye, pues, obras de todos los géneros. Desde 1990 en que abandonó la enseñanza para dedicarse plenamente a la composición hasta su muerte vivió en el valle de Wye.
Escucha un fragmento de la banda sonora
[editar] Críticas
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De repente, el último verano 1
De repente, el último verano 2
De repente, el último verano 3
[editar] De repente, el último verano.Trabajo de los alumnos
Esta es una película de culto. Dirigida por "el director más inteligente del cine moderno" (en palabras de Godard) a partir de un guión del propio Tennessee Williams y Gore Vidal, e interpretada por tres grandes estrellas. Muy arriesgada y provocadora para la época, a pesar de lo cual tuvo un gran éxito, es sobre todo una película compleja, con muy diferentes puntos de interés. Para ordenar el debate posterior a su proyección del próximo miércoles, sugiero los siguientes:
1. Aspectos médicos y psiquiátricos:
- relación médico-paciente: entrevista en la biblioteca
- terminología: demencia precoz, locura...
- lobotomía (psicocirugía) para tratamiento de las psicosis
- reflexión sobre la medicina ("para ayudar...no para servirse") y la autoridad del médico
- medicina pública (con recursos económicos limitados) y financiación privada
- manicomios (vieja y nueva psiquiatría)
- aproximación al diagnóstico psiquiátrico de Sebastian, Violet y Catherine
- delirio
2. Referencias mitológicas y bíblicas:
- Edipo, Dioniso (Baco), Orfeo y Venus
- apellido de Catherine
- ángeles: de la muerte (Abaddon) en el jardín y en la escena final; "como un ángel" (cuando baja en ascensor)
- búsqueda de Dios: "ver la cara de Dios" "como niños intentando deletrear la palabra Dios con letras equivocadas"
- martirio de San Sebastián: cuadro en el gabinete
- escenas de la muerte de Sebastian: subida al gólgota, inmolación, comunión
3. Aspectos filosóficos:
- el mundo como campo de batalla, donde unos y otros se devoran
- el mundo está gobernado por una voluntad cruel
- referencias a Schopenhauer
4. Otros símbolos:
- color blanco y negro de los vestidos, de las batas de los médicos
- jardín
- planta carnívora, moscas
5. Riqueza literaria del guión:
- "enfermedad, mal de la vida"
- "bisturí en el cerebro mata el demonio del alma"
- "Sebastian era una vocación"
- "la verdad está en el fondo de un pozo sin fondo"
6. Aspectos cinematográficos:
- fotografía en ByN
- meticulosa puesta en escena, planos medidos, picados
- secuencias iniciales, sin sonido
- escena final bañada en luz cegadora
- cine negro, cine policial, cine de terror
- uso de la música
7. Interpretación de las escenas finales
Esta lista no es exhaustiva (¡hay mucho más!) para no desvelar los temas fundamentales que sostienen el hilo dramático de la acción, pensando en aquellos afortunados que vean la película por primera vez. Espero que disfruten y participen en el debate.
José Luis Villar
Coordinador de la asignatura
